Z okazji 20. rocznicy premiery „Back To Black” Amy Winehouse, powszechnie uznawanego za jeden z najwspanialszych, najważniejszych i najbardziej wpływowych albumów w historii muzyki pop, UMR/Island ponownie wyda ten przełomowy materiał w specjalnych formatach. Znajdą się na nich m.in. niepublikowane dema, trudno dostępne nagrania ze stron B oraz zapis koncertu z Paradiso w Amsterdamie z 8 lutego 2007 r., który odbył się w ramach trasy Back To Black.
To szalone, że sześć piosenek nagranych w przypływie szalonej muzycznej fascynacji dwadzieścia lat później wciąż ma tak ogromne znaczenie dla tak wielu ludzi.
-Mark Ronson, 2026
Wydania będą również zawierać niepublikowane wcześniej zdjęcia autorstwa Mischy Richtera i Alexa Lake'a, a także zupełnie nowe, poruszające wspomnienia autorstwa producentów i przyjaciół Amy – Marka Ronsona i Salaama Remiego. Premierę wydawnictw zaplanowano na 23 października, zaledwie kilka dni przed 20. rocznicą premiery oryginalnej wersji albumu, która przypadła na 27 października 2006 r.
„Back To Black”, niezwykle osobiste, pełne emocji i muzyczne arcydzieło Amy, nie tylko podbiło serca krytyków, ale odniosło również ogromny sukces komercyjny. W Wielkiej Brytanii album zadebiutował na 3. miejscu, a następnie dotarł na szczyt sprzedaży, by ostatecznie zostać najlepiej sprzedającym się albumem 2007 r. Album znalazł dotychczas ponad 4,5 mln nabywców na Wyspach, zdobywając status 15-krotnej platyny. W Stanach Zjednoczonych „Back To Black” zadebiutowało na siódmym miejscu listy Billboard 200, a po pamiętnym wieczorze, podczas którego Amy zdobyła pięć nagród Grammy, wspięło się na drugą pozycję. Artystka triumfowała w najważniejszych kategoriach, otrzymując między innymi nagrody za Nagranie roku i Piosenkę roku, a także za Najlepszy wokalny album pop, Najlepsze kobiece wykonanie wokalne pop za „Rehab”. Winehouse nagrodzono również w kategorii Artystka roku.
Amy była jedyna w swoim rodzaju. Artystka jedyna w swoim rodzaju. Duch jedyny w swoim rodzaju. Dusza jedyna w swoim rodzaju. Możliwość doświadczenia takiego poziomu talentu, pasji, humoru, szczerości i miłości do tego, co tworzyła, była darem.
-Salaam Remi, 2026
Dwadzieścia lat później „Back To Black” ma w USA status podwójnej platyny. Na całym świecie wydawnictwo sprzedało się w nakładzie przekraczającym 25 mln egzemplarzy. Jesienią album doczeka się specjalnego wydania na trzech przezroczystych płytach winylowych, a także w formacie 3CD. Tym samym wszystkie nagrania z okresu „Back To Black” zostaną zebrane na jednym kompleksowym wydawnictwie. Będący częścią edycji specjalnej wspomniany koncert w amsterdamskim Paradiso nigdy wcześniej nie był w całości dostępny na winylu ani na platformach streamingowych.
Uzupełnieniem rocznicowej serii będą limitowane warianty oryginalnego albumu na 1LP, w tym wydanie na winylu w kolorze Chalkboard Marble oraz wyjątkowy, dostępny wyłącznie w oficjalnym sklepie internetowym wariant 1LP Zoetrope, wykorzystujący ruchome ujęcia Amy. Wszystkie wydania fizyczne i cyfrowe ukażą się nakładem UMR/Island w piątek 23 października.
Listy utworów:
3LP
LP1 - Side 1 – Back To Black
1. Rehab
2. You Know I'm No Good
3. Me & Mr Jones
4. Just Friends
5. Back To Black
6. Love Is A Losing Game
LP1 - Side 2
1. Tears Dry On Their Own
2. Wake Up Alone
3. Some Unholy War
4. He Can Only Hold Her
5. Addicted
LP2 - Side 3 – B-Sides & Demos
1. Valerie (Live at BBC Radio 1 Live Lounge)
2. Monkey Man
3. Hey Little Rich Girl
4. You're Wondering Now
5. Do Me Good
6. Close To The Front
LP2 - Side 4
1. I'm No Good (You Know I’m No Good - Original Demo)
2. Fuckery (Me & Mr Jones – Original Demo)
3. I’ve Been Drinkin’ (Just Friends – Alternative Version)
4. Back To Black (Original Demo)
5. Love Is A Losing Game (Original Demo)
6. Tears Dry (Alternative Demo)
LP3 – Side 5 – Live From Paradiso Amsterdam / February 8th 2007
1. Addicted
2. Just Friends
3. Tears Dry On Their Own
4. He Can Only Hold Her / Doo Wop (That Thing)
5. Wake Up Alone
6. Back To Black
LP3 - Side 6
1. You Know I’m No Good
2. Me & Mr Jones
3. Rehab
4. Love Is A Losing Game
5. Valerie
Wyjątkowy gest gwiazdy Sound Of The Ages Festival wzbogacił kolekcję Stratocastle Podarowana przez Gus G. gitara z dedykacją „To Stratocastle! Keep Rocking!”, 22.8.26 Podczas Sound Of The Ages Festival, który 22 sierpnia 2026 roku rozgrzał mury ponad 500-letniego Zamku Ćmielów, doszło do wydarzenia, które na długo zapadnie w pamięci fanów rocka i metalu. Gus G. – grecki wirtuoz gitary, wieloletni gitarzysta Ozzy'ego Osbourne'a i lider zespołu Firewind – podarował Stratocastle swoją zautografowaną gitarę Jackson USA Signature Gus G. Star, opatrując ją własnoręczną dedykacją: „To Stratocastle! Keep Rocking!”.
Instrument dołączył do kolekcji Stratocastle – największej galerii gitar na świecie z instrumentami podpisanymi przez legendy, gdzie docelowo znajdzie się ponad 400 instrumentów podpisanych przez najwybitniejszych muzyków świata, od Keitha Richardsa po Slasha i Briana Maya. Gest Gus G. to kolejny dowód na to, że Stratocastle staje się miejscem szczególnym na mapie światowej kultury rockowej.
Gus G. z przedstawicielami Stratocastle tuż po przekazaniu gitary
Kulisy wydarzenia
Cały gest Gus G. został uwieczniony na nagraniu wideo, które muzyk opublikował w mediach społecznościowych. Widać na nim, jak ze sceny zapowiada niespodziankę dla Stratocastle, a chwilę później własnoręcznie podpisuje gitarę, zanim trafi ona na stałą ekspozycję w zamkowym muzeum. Zapowiedź niespodzianki ze sceny Gus G. podpisuje gitarę Gotowy eksponat w kolekcji
Zobacz pełne nagranie na Instagramie
Gus G. – gitarowy wirtuoz z Salonik
Konstantinos Karamitroudis, znany na całym świecie jako Gus G., urodził się 12 września 1980 roku w Salonikach. Karierę zawodową rozpoczął pod koniec lat 90., a w 1998 roku założył zespół Firewind, z którym nagrał dziesięć albumów studyjnych i który do dziś pozostaje jego macierzystą formacją.
Przełomowym momentem w karierze Gus G. było dołączenie w 2009 roku do zespołu Ozzy'ego Osbourne'a jako jego gitarzysta – współpracę tę zakończył w 2017 roku. W tym czasie współtworzył nominowany do nagrody Grammy album „Scream” (2010). Równolegle rozwijał karierę solową, wydając sześć albumów oraz gościnnie nagrywając z takimi artystami jak Bruce Dickinson, Arch Enemy czy Doro Pesch. Jego umiejętności doceniła też firma Jackson, tworząc z nim podpisaną jego nazwiskiem linię gitar – model Star, wykorzystywany między innymi podczas festiwalu w Ćmielowie.
Najnowszym rozdziałem w karierze muzyka jest dołączenie w lipcu 2026 roku do legendarnego King Diamond w roli gitarzysty, na miejsce Andy'ego LaRocque'a, który po 40 latach współpracy z zespołem zakończył w nim działalność. Jak podkreślił sam King Diamond, ogłaszając zmianę: to „wielki zaszczyt” powitać Gus G. w składzie, z którym już rozpoczęto prace kompozytorskie i studyjne. Gus G. zapowiedział, że nowe zobowiązanie będzie łączył z dotychczasową działalnością w Firewind i projekcie solowym.
Sound Of The Ages Festival – podsumowanie
Sound Of The Ages Festival odbył się 22 sierpnia 2026 roku na terenie Stratocastle przy Zamku Ćmielów w województwie świętokrzyskim. To pierwsza edycja imprezy organizowanej przez Backstage Productions, łączącej klasyczny hard rock i heavy metal z historyczną scenerią ponad 500-letniej twierdzy. Dzień otworzyły polskie zespoły Metal Factory, Deathyard i Leash Eye, po nich na scenie pojawił się niemiecki Masterplan oraz duet Ronnie Romero & Gus G. – podczas którego doszło do opisanego wyżej gestu przekazania gitary. Wieczór należał do szkockiej legendy Nazareth, znanej z przebojów „Love Hurts” i „Hair Of The Dog”, a festiwal zwieńczył występ gwiazdy wieczoru, Michaela Schenkera, legendarnego gitarzysty UFO i Scorpions, który zaprezentował program jubileuszowej trasy „My Years With UFO”.
Festiwal towarzyszył inauguracji Stratocastle – największej galerii gitar na świecie z instrumentami podpisanymi przez legendy, do której kolekcji – obok instrumentów m.in. z autografami Keitha Richardsa, Slasha czy Briana Maya – dołączyła teraz także gitara Gus G.
Paris Jackson zaprezentowała swój drugi album. W jedenastu bardzo osobistych utworach Paris prezentuje się jako wrażliwa, pewna siebie i otwarta na muzyczne eksperymenty artystka. Premierze płyty towarzyszy publikacja teledysku do piosenki tytułowej.
Przed kilkoma dniami Paris zadebiutowała w telewizji śniadaniowej w programie „Good Morning America”. Wokalistka występiła w ramach cyklu Summer Concert Series 2026, wykonując na żywo „zombies in love” i „happiest day of my life”.
Jak opisuje Jackson, „Happiest Day Of My Life” narodził się ze „zderzenia dźwięku, doświadczeń i emocji” i stanowi wyraźną ewolucję w stosunku do „Wilted”. Inspiracją dla albumu były m.in. zespoły The Smashing Pumpkins, Pixies, Marcy Playground i Bright Eyes. Materiał powstał we współpracy z legendarnymi songwriterami i producentami – Lindą Perry, Butchem Walkerem i Jasonem Laderem. Album przynosi cięższe i bardziej dynamiczne brzmienie, pozostając jednocześnie zakorzenionym w bardzo osobistym sposobie pisania piosenek, który stał się znakiem rozpoznawczym artystki.
Na krążku znalazły się wcześniej wydane single „Zombies In Love”, „Teenage Drama” i „Stitched (On & On)”, z których każdy przedstawia inną część emocjonalnego świata płyty. Na „Happiest Day Of My Life” Jackson przechodzi przez proces uzdrawiania, złamane serce i odkrywanie własnej tożsamości, a także odnajdywanie światła po okresie mroku, łącząc bezpośrednią warstwę tekstową z oczyszczającym brzmieniem alternatywy i rocka.
„Happiest Day Of My Life” ukazuje się w czasie intensywnego roku koncertowego Paris. Artystka jest obecnie w trakcie swojej pierwszej w historii trasy Zombies Tour po Ameryce Północnej, a tego lata podczas wybranych koncertów wspiera także The Pretty Reckless. Jesienią Paris wyruszy Europy, gdzie po raz pierwszy wystąpi jako headlinerka. Na trasie znalazły się między innymi Paryż, Berlin, Amsterdam i Londyn. Pełną listę nadchodzących koncertów można znaleźć na stronie parisjacksonofficial.com.
„Happiest Day Of My Life” – lista utworów:
Strona A:
1. teenage drama
2. maker
3. bang bang
4. zombies in love
5. happiest day of my life
6. evermore
Strona B:
7. sirens
8. ghost
9. gaslight
10. stitched (on & on)
11. american dream
Paris Jackson:
Z jasną wizją, otwartym sercem i gitarą w dłoni, Paris Jackson czerpie z czystych emocji. Artystka nie tylko tworzy charakterystyczną odmianę alternatywnego rocka – pozostawia trwały ślad w postaci pięknej blizny wyrytej w pamięci dzięki surowemu brzmieniu instrumentów i tekstom, z którymi można się utożsamić. Wokalistka, gitarzystka i songwriterka z Los Angeles konfrontuje się z tragedią, traumą i demonami przy pomocy krzyku, uśmiechu i mocnego gitarowego akordu. Tworzy muzykę, która może skłonić do spojrzenia na siebie z innej perspektywy, zmiany sposobu myślenia lub po prostu docenienia chaotycznej magii życia w danej chwili.
Ekscytujący - „The Guardian”
Prawdziwa sensacja - „CRACK”
Westside Cowboy zmieniają oblicze brytyjskiego indie - „DAZED”
Premiera „It Goes On” wieńczy serię świetnie przyjętych singli: „Kick Stones (The Boys)”, „Pin Up Boys” - który trafił na playlisty A-list BBC 6 Music oraz C-list BBC Radio 1 - oraz czerpiącego ze slacker rocka „Dobro”. Zespół ma również za sobą występ w programie „Later… With Jools Holland”, który szybko stał się jednym z najchętniej oglądanych w obecnej serii.
Wraz z albumem ukazał się także buntowniczy i bezkompromisowy „Worried Age”. Utwór stopniowo nabiera rozpędu, by eksplodować w hałaśliwym, niemal krzyczącym crescendo. Symbolicznie, w dniu premiery płyty, Westside Cowboy pojawili się również na głównej scenie festiwalu Green Man - w miejscu, które idealnie domyka kolejny etap historii zespołu.
Przed premierą debiutanckiego albumu Westside Cowboy komentowali: „Mówiąc najprościej, chcieliśmy stworzyć album dla naszych młodszych wersji - taki, który przypominałby nam wszystkie te płyty, dzięki którym zakochaliśmy się w muzyce. Zależało nam, żeby ta muzyka działała natychmiast, była zwięzła i szczera wobec tego, kim jesteśmy dzisiaj. Na rozbudowany, potrójny album z sekcją dętą i smyczkami przyjdzie jeszcze czas. Na razie to młoda muzyka stworzona przez młodych - albo prawie młodych - ludzi. Chcemy pisać piosenki zwarte i niedoskonałe. Jesteśmy z tej płyty naprawdę dumni i mamy nadzieję, że wam też się spodoba”.
„It Goes On” wyprodukował Loren Humphrey (Geese, Cameron Winter, Wunderhorse) w Greenmount Studios w Leeds. W centrum albumu znajdują się wielkie emocje - jedenaście utworów ma uchwycić chaos, desperację i ślepą nadzieję charakterystyczne dla młodości.
Westside Cowboy od początku działalności starają się skupiać na tym, co łączy ludzi. Już na wczesnym etapie istnienia zespołu współtworzyli No Band Is An Island - działający w Manchesterze kolektyw organizujący charytatywne wydarzenia, podczas których obok lokalnych artystów głos otrzymują przedstawiciele organizacji pomocowych i grup bezpośredniego działania. Teledysk do pierwszego singla z albumu, „Kick Stones (The Boys)”, powstał z kolei we współpracy z aktywistycznym klubem piłkarskim FC United of Manchester.
O Westside Cowboy:
Nazwani przez „The Guardian” „ekscytującymi”, przez „DAZED” zespołem „zmieniającym oblicze brytyjskiego indie”, a w okładkowym materiale „NME” „jedną z najbardziej ekscytujących sił na brytyjskiej scenie”, Westside Cowboy pokazują w swojej dotychczasowej twórczości niemal telepatyczne porozumienie. Jednocześnie nie boją się wyprowadzać tej chemii daleko poza własną strefę komfortu.
Wcześniej zespół zdobywał nowych słuchaczy dzięki nieposkromionej koncertowej energii, melodiom i nostalgicznym gitarom podczas trasy u boku brooklyńskiej grupy Geese. Na początku roku Westside Cowboy zagrali również całkowicie wyprzedaną trasę po Wielkiej Brytanii, a pod koniec 2025 roku zadebiutowali na amerykańskich scenach. W październiku ubiegłego roku koncertowali także z Black Country, New Road.
Dotychczas zespół wydał dwie EP-ki - „So Much Country ’Till We Get There” (styczeń 2026, Adventure Recordings) oraz „This Better Be Something Great” (sierpień 2025, Heist or Hit). Promujące je single trafiły na playlistę BBC 6 Music, a w BBC Radio 1 wspierali je m.in. Greg James, Sian Eleri i Alyx Holcombe.
Bilety na występ oraz pakiety VIP są dostępne na Knock Out Music Store (druki kolekcjonerskie) oraz w sieci eBilet.pl.
Kiedy: 4 marca (czwartek) 2027
Gdzie: Gliwice @ PreZero Arena Gliwice, ul. Akademicka 50
Bilety: 349/370 zł – miejsca stojące, 269-369/290-390 zł – miejsca siedzące
Organizator: Knock Out Productions
Po niezapomnianym występie na Eurowizji i znakomitym koncercie podczas słowackiego festiwalu Pohoda we wrześniu zespół wystąpi w Warszawie, Berlinie, Pradze i w Wiedniu.
Tautumeitas działają na styku bałtyckich tradycji ludowych i współczesnej produkcji muzycznej, przekształcając starożytne łotewskie melodie, techniki wokalne i symbole kulturowe w nowoczesne, wymykające się gatunkowym podziałom brzmienie. Ich muzyka łączy wielowarstwowe polifoniczne wokale, rytmiczną energię i współczesną produkcję z wyrazistą identyfikacją wizualną, tworząc immersyjne doświadczenie koncertowe zakorzenione w łotewskim dziedzictwie kulturowym, a jednocześnie przemawiające do publiczności daleko poza granicami Łotwy.
W 2025 roku Tautumeitas reprezentowały Łotwę podczas Konkursu Piosenki Eurowizji z utworem „Bur Man Laimi". Zespół awansował do wielkiego finału, po tym jak w półfinale uplasował się na drugiej pozycji. Występ można przypomnieć sobie pod linkiem: https://youtu.be/nkvcMe3NiQ0?si=Efu2oVU8PJrv0YUS
Występ na Eurowizji był kolejnym etapem wieloletniej działalności koncertowej zespołu na arenie międzynarodowej. Tautumeitas koncertowały w Europie, Azji i Australii, pojawiając się na takich festiwalach jak Glastonbury, Eurosonic, Rudolstadt czy Festival du Bout du Monde. W lipcu 2026 roku zespół wystąpił również na słowackim festiwalu Pohoda, jednym z najważniejszych festiwali w Europie Środkowej, jeszcze bardziej umacniając swoją pozycję w regionie.
Najnowszy album zespołu, "Līgojami", ukazał się w czerwcu 2026 roku i jest poświęcony łotewskim obchodom przesilenia letniego. Album czerpie z dawnych pieśni związanych z przesileniem, rytuałów związanych z naturą oraz tradycyjnych form wokalnych, przedstawiając je w nowoczesnych aranżacjach.
We wrześniu Tautumeitas zaprezentują swój pełny koncertowy program w Warszawie w klubie OCZKI (14 września), Berlinie (15 września), Pradze (16 września) i Wiedniu (17 września) podczas swojej pierwszej europejskiej trasy, na której wystąpią jako główna gwiazda. Trasa będzie kolejnym krokiem w międzynarodowej ekspansji zespołu. Pierwsze koncerty Tautumeitas w Stanach Zjednoczonych planowane są na początek 2027 roku.
Bilety na warszawski koncert dostępne są pod linkiem: https://www.kontramarka.com/ru/tickets-tautumeitas-warsaw/
Teraz artysta opuszcza zawieszoną między młodością a teraźniejszością przestrzeń. 9 października ukaże się jego szósta płyta „Ghosts (100 Days of Morning)”.
Złożony z 11 utworów krążek opowiada o dawnych duchach z trudnego okresu życia artysty. „Ghosts (100 Days of Morning)” nawiązuje do dorastania i pozostawienia za sobą młodości, miłości, straty oraz kruchej nostalgii za nocami złotej ery indie. „Ghosts” jest w równym stopniu opowieścią o odpuszczaniu, co o odzyskiwaniu własnej tożsamości.
Album otwiera pełen energii „3310”, w którym artysta nawiązuje do kultowego modelu telefonów Nokia – niegdyś symbolu statusu – i pamiętnej grze w „Węża”. Piosence towarzyszy nakręcony nad morzem teledysk wyreżyserowany przez Roba Thorogooda.
Jamie zamienia nostalgiczne wspomnienie w poetycki tekst wyśpiewywany na tle dynamicznych gitar. „3310” to ścieżka dźwiękowa do wczesnych godzin porannych, ulotnego czasu, gdy jedni wstają do pracy lub wychodzą na poranny jogging, a inni dopiero wracają do domu. Łącząc elementy surrealizmu i absurdu, teledysk pokazuje Jamiego rozpoczynającego nowy dzień, choć coś wyraźnie się nie zgadza.
– Każdy ma część siebie, którą trzyma na dystans, nawet przed ludźmi, których kocha. Dla mnie „Ghosts” opowiada o zobaczeniu tej wersji siebie po raz pierwszy od bardzo dawna i próbie zatrzymania jej przy sobie. Ten album jest moją próbą odnalezienia jej na nowo – mówi o nadchodzącym albumie Jamie.
Od czasu wydania piątego albumu „The Theory of Whatever” z 2022 r., który dotarł na szczyt brytyjskiej listy albumów, artysta występował przed szeroką publicznością. W 2023 r. zagrał swój największy w historii headlinerski koncert w Finsbury Park, a wśród jego supportów znaleźli się między innymi IDLES i Kojey Radical. Na początku tego roku połączył siły z Fredem Again w „Lights Burn Dimmer” – onirycznej, przesiąkniętej syntezatorami reinterpretacji „Hippodrome” Jamiego z 2023 r., która zamieniła nerwowe, przesiąknięte dymem papierosowym napięcie oryginału w coś bardziej euforycznego. Singiel ukazał się przy okazji koncertu w Alexandra Palace, będącego częścią cyklu „10 shows in 10 weeks in 10 cities”, za którym stał Fred again.
Jamie T ma na koncie wiele platynowych i złotych albumów („Panic Prevention”, „Kings & Queens”, „Carry on the Grudge”) oraz singli („Zombie”, „Sticks n Stones”, „Sheila”) w Wielkiej Brytanii, a także ponad 800 mln odtworzeń na całym świecie. Współpracował z takimi artystami jak Damon Albarn / Gorillaz, Lily Allen i The Maccabees, ośmiokrotnie występował jako headliner w Brixton Academy, a także czterokrotnie pojawił się na festiwalu Glastonbury, w tym dwukrotnie jako headliner sceny Woodsies i sceny im. Johna Peela. W przyszłym roku jego debiutancki album skończy 20 lat.
Lista utworów „Ghosts (100 Days of Morning)”
1. 3310 (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
2. Cocktail (napisany przez Jamiego T, Jamesa Dringa i Damona Albarna / wyprodukowany przez Jamesa i Jamiego; dodatkowe partie klawiszy: Damon)
3. Waist 36 Leg 32 (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
4. All I Wanna See Is Now (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Olly'ego Burdena)
5. The Won (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
6. Chelsea Girls (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
7. Ghosts (cover utworu „Ghosts” zespołu The Jam)
8. Crimson & Clover (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
9. Crucible (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Hugo White'a)
10. Caught Cheating (napisany i wyprodukowany przez Jamiego T i Jamesa Dringa)
11. Tallahassee (zawiera sampl utworu „Tallahassee” Leifa Vollebekka; wyprodukowany przez Jamiego, współprodukowany przez Hugo White'a)
Warsztaty dla instrumentalistów i wokalistów zgromadziły niemal 50 osób z całej Polski, które przez tydzień intensywnie pracowały nad swoim rozwojem muzycznym. – Dajemy możliwość uczenia się od najlepszych, ciągłego konfrontowania się ze sobą samym podczas jam sessions i zapraszamy wyjątkowych gości. Mogę śmiało powiedzieć, że tworzymy nową jakość – mówił organizator Patryk Ebo.
Fundacja im. Andrzeja Zauchy podąża śladami swojego mistrza, który był genialnym samoukiem. Jego talent rozwijał się we współpracy z innymi muzykami i właśnie tą drogą podąża formuła Masterclass. Uczestnicy obok indywidualnych czy sekcyjnych zajęć, mnóstwo czasu poświęcają na przygotowywanie utworów w zespołach. Ten element także nadzorują nauczyciele, podpowiadając i dzieląc się uwagami.
Masterclass, czyli skok na wyższy poziom
Monika Urlik, Piotr Żaczek, Jacek Królik, Tomasz Kałwak, Cezary Konrad, a dodatkowo Piotr Metz, Mateusz Szmigiel i Jakub Byczek. Trudno wyobrazić sobie lepszych nauczycieli poszczególnych „przedmiotów” podczas warsztatów. Klasy wokalu, gitary basowej, gitary, pianina oraz perkusji dodatkowo uczestniczyły w zajęciach związanych z dziennikarstwem muzycznym, produkcją oraz pracą w studio nagraniowym. Monika Urlik dla wokalistów poprowadziła również zajęcia z pogranicza psychologii i radzenia sobie na scenie z sytuacjami kryzysowymi.
Uczestnicy mieli od 15 do 50 lat i wszyscy przyjęli w ciągu siedmiu dni ogrom wiedzy oraz praktycznych porad. W tej edycji odbył się również wyjątkowy Masterclass. – Wszyscy prowadzący wyszli razem na scenę i rozłożyli proces tworzenia muzyki na części pierwsze. Myślę, że nikt z uczestników nie miał okazji wcześniej wziąć udziału w takiej sesji, z której praktyczna wiedza płynęła szerokim strumieniem – mówił Patryk Ebo, organizator i spiritus movens warsztatów.
Zaucha budzi muzyczny Kraków
Nieodłączonym elementem Zaucha Fest Masterclass są również codzienne jam sessions w Klubie pod Jaszczurami. Tam uczestnicy warsztatów mogą próbować sił na scenie, zagrać ze swoimi nauczycielami i poznać dynamikę tego formatu, obserwując licznych krakowskich muzyków, którzy chętnie improwizują wspólnie na scenie.
- Myślę, że to co robi Zaucha Fest Masterclass, to coś zupełnie wyjątkowego. Muzyczny Kraków przysnął. Opanowało go karaoke. Brakowało miejsca i okazji, by muzycy mogli jak za dawnych lat wspólnie grać na jam sessions. Mam nadzieję, że to się stanie tradycją – mówił doskonały gitarzysta Jacek Królik.
Goście specjalni
Zaucha Fest Masterclass ponownie zaprosił również gości specjalnych. W pierwszej edycji był nim Junior Robinson, który pracował z wokalistami i wystąpił również na koncercie finałowym. Tym razem z uczestnikami spotkali się Tomson (Tomasz Lach) i Baron (Aleksander Milwiw-Baron) z formacji Afromental, którzy przez całe popołudnie odpowiadali na pytania, opowiadali anegdoty oraz dzielili się scenicznymi doświadczeniami. Co więcej wieczorem pojawili się również na jam session.
- Na Zaucha Fest Masterclass macie wspaniałych uczestników. Są ciekawi, uważni i zaangażowani. Na czas spotkania z nami odpięli się od świata i naprawdę świetnie się nam rozmawiało. Jak muzykowi z muzykiem – komentował Tomson, który w Klubie pod Jaszczurami zrobił show swoją wokalną improwizacją. Tę energię i fenomenalną zabawę muzyką zespołu, z pewnością wszyscy zapamiętają na bardzo długo.
Koncert finałowy i… czas na mural
Warsztaty zwieńczył test w postaci występu na koncercie finałowym. Studio S5 Radia Kraków wypełniło się po brzegi słuchaczami, a następnie doskonałą muzyką. Królowała stylistyka jazzowa, soulowa i bluesowa. Nie zabrakło oczywiście utworów Andrzeja Zauchy, jak chociażby „Wymyśliłem Ciebie”, czy „Jak na lotni”, ale także twórczości artystów zza oceanu - Michaela Jacksona, Arethy Franklin, czy Alicii Keys. Na scenie wystąpiła również Monika Urlik, dając niezwykły popis umiejętności wokalnych. Gospodarzem wieczoru był niezrównany Piotr Metz, a gościem specjalnym Agnieszka Zaucha.
Fundacja im. Andrzeja Zauchy, po zakończonych warsztatach nie ma jednak czasu na odpoczynek, bo już w najbliższy czwartek w Krakowie ruszają prace na muralem z wizerunkiem mistrza. Autorem projektu oraz jego wykonawcą jest Piotr Tuse Jaworski – jeden z najbardziej cenionych w Polsce artystów streetartowych. Odsłonięcie muralu zaplanowano na poniedziałek 31 sierpnia około południa. Lokalizację oraz dokładną godzinę odsłonięcia zdradzimy już w najbliższych dniach.
Kolejnym etapem tegorocznego Zaucha Fest będzie start jesiennych koncertów i tu szykuje się wiele okazji do przeżywana różnorodnych muzycznych doznań. W Klubie pod Jaszczurami 10 października odbędzie się New York Funky Night. Dzień później w Mercy Brown zagra John Porter, a 31 października w Teatrze Variete zaplanowano „The Blues Brothers Music Show”.
Listopad rozpocznie się od koncertu Andrzeja Sikorowskiego 2.11 w Teatrze Stu. Będzie to okazja by posłuchać opowieści i muzycznych wspomnień o Andrzeju Zausze. W niedzielę 29 listopada w Mercy Brown kubańskie brzmienia zapewni nam Dayramira Gonzalez Trio i Yaremi Kordos. To będzie fantastyczna podróż, a zarazem przedsmak koncertu galowego Zaucha Fest „Byłeś i bądź”, który 30 listopada odbędzie się w Operze Krakowskiej.
Partnerami Zaucha Fest 2026 są NDI, Medicine, Agencja Live, Hotele Indigo, Instytut Sztuki i Wodao. Patronatem honorowym festiwal objął Marszałek Województwa Małopolskiego Łukasz Smółka oraz Prezydent Miasta Krakowa. Organizatorami są Fundacja im. Andrzeja Zauchy oraz Musicology.
Wydanie LP "Pytań" jest dostępne w limitowanej, wyróżniającej się butelkowozielonym kolorem krążka wersji. To LP jest dostępne z autografem Artysty.
“Pytania” to debiutancki album Daniela Godsona – wokalisty, kompozytora, producenta i autora tekstów, jednego z laureatów projektu RADAR Spotify. Znany m.in. z “Na dno” (projekt ZORZA Dawida Podsiadły), przebojowego “Na chwilę” czy romantycznego “I’m in love” muzyk, zbiera dotychczasowe prace na płycie, której motywem przewodnim jest poszukiwanie odpowiedzi. Choć pytania wydają się różne lub nie kierowane do tej samej Osoby, łączy je zadawanie ich przez osobę młodą: pełną motywującej do poznawania świata naiwności, czasem zagubioną, lecz jednocześnie wychwytującą z “tu i teraz” to, co potrzebne do budowania swojego spojrzenia na świat.
„Pytania” zadaję Bogu, sobie, oraz moim najbliższym. Zależało mi, aby całość była odzwierciedleniem tego, jak my ludzie doświadczamy świata. Czasami te poszukiwania prowadziły mnie do odpowiedzi niosących rozczarowanie czy smutek, czasami swoim trudem wprowadzały mnie w obojętność, a czasami odpowiedź okazywała się nieść więcej radości niż się spodziewałem. Zakończenie tego projektu wzbudziło we mnie pewność, że koniec końców każda z tych niewiadomych mnie ukształtowała i była mi potrzebna. To były moje cenne „Pytania”.
-Daniel Godson o albumie
Autorem poligrafii jest Jakub Szlaszyński (@dwa.oka). Zdjęcia do albumu wykonał Karol Gustaw Małecki (@karolgustavv). Asystentem sesji był Adam Rutkowski (@rutkowski_).
„Pytania” - wydanie winylowe - lista utworów:
Strona A
01. Talent
02. Jest jak jest
03. I’m in love
04. Esmeralda
05. Na chwilę
06. Boomerang
07. Strzał
Strona B
08. W snach
09. Spójrz
10. Safe Zone
11. Odpowiedź
12. Miasto
13. Wschód
14. Dom
Daniel Godson zaplanował także trasę koncertową w następujących miastach:
11 października - Wrocław, Momenty
25 października - Łódź, Wooltura
30 października - Poznań, Muzyka Na Nowo
5 listopada - Warszawa, Hydrozagadka
8 listopada – Katowice, Piąty Dom.
Organizatorami trasy są Live Nation i agencja al-fine. Bilety są dostępne tutaj.
O Danielu Godsonie:
Daniel Godson - artysta, kompozytor i songwriter tworzący w nurcie muzyki alternatywnej. Inspiruje się takimi twórcami jak Mk.gee, Daniel Caesar, Omar Apollo czy Dijon. W 2024 roku został dostrzeżony przez Spotify i zaproszony do udziału w promotorskim programie Spotify RADAR. 2025 rok obfitował w wyróżnienia: zwycięstwo w pierwszej edycji konkursu FNMN („ZORZA” – festiwal Dawida Podsiadły), zwycięstwo w konkursie „Debiutów” na 62. Krajowym Festiwalu Polskiej Piosenki w Opolu, a także pierwsze solowe występy na festiwalu Męskie Granie
i wspomnianej ZORZY. W 2026 roku Daniel został zaproszony do supportowania stadionowej trasy koncertowej Dawida Podsiadły. 12 marca 2026 r. ukazał się debiutancki album Daniela: “Pytania”. Płyta stanowi zbiór dotychczasowo wydawanych singli i nowości, w tym “Spójrz”. W najbliższym czasie Daniela zobaczymy na scenach festiwalowych, między innymi Open’erze i Olsztyn Green Festival.
Podczas wielkiego finału święta polskiej muzyki na Lotnisku Bemowo wystąpili m.in. Nosowska, Kacperczyk, Igo, Zalewski oraz Męskie Granie Przestawia: KULT // PRO8L3M gra Kazika i Męskie Granie Orkiestra 2026: Igor Herbut, Zalia i Vito Bambino, która po raz ostatni wykonała na żywo utwory „Nareszcie” oraz „Tańczę”.
Dwa dni najlepszej polskiej muzyki w sześciu miastach
Tego lata sponsorowana przez markę Żywiec trasa Męskie Granie odwiedziła Żywiec, Poznań, Gdańsk, Wrocław, Kraków i Warszawę, każdorazowo udowadniając, jak wiele do zaoferowania ma polska muzyka. Podczas 17. edycji Męskiego Grania nie zabrakło wielkich powrotów, tribute’ów, nieoczywistych muzycznych spotkań oraz debiutantów, którzy po raz pierwszy mieli okazję zaprezentować się przed tak liczną publicznością. Ta kultowa trasa od lat słynie też z nieoczywistych artystycznych połączeń i projektów, które można usłyszeć tylko jeden jedyny raz. W tym roku na scenie projektu zagrała m.in. Męskie Granie Orkiestra 2026 w składzie: Igor Herbut, Zalia i Vito Bambino, która porywała publiczność swoją niezwykłą energią i autorskimi interpretacjami najpopularniejszych polskich utworów. Piątkowe koncerty zamykał natomiast projekt Męskie Granie Przestawia: KULT // PRO8L3M gra Kazika. W jego ramach duet PRO8L3M w nowoczesny sposób remiksował twórczość Kazika, a następnie cały Kult grał godzinny koncert ze swoimi największymi przebojami. W ten sposób podziały zastąpiono artystycznym dialogiem, łącząc dwie różne muzyczne generacje.
Z myślą o Męskim Graniu powstały także inne wyjątkowe projekty m.in. „Byłeś serca biciem” – Tribute to Andrzej Zaucha: Ewa Bem, Ofelia, Igor Herbut, Piotr Zioła, Wiktor Waligóra, a także Tribute to Stanisław Soyka – Natalia Przybysz Feat. Smolik, Anna Maria Jopek / Paulina Przybysz, Grażyna Łobaszewska. Na trasę powróciła również legenda polskiego thrash metalu – Acid Drinkers, reaktywowany na Męskie Granie 2025 zespół Sistars oraz Igor Herbut z projektem, który zadebiutował podczas ubiegłorocznej edycji – tym razem w nowej odsłonie – Grechuta Herbuta 2.0.
W tym roku na Męskim Graniu po raz pierwszy pojawiła się SCENA MŁODYCH RADAR Polska, stworzona we współpracy ze Spotify oraz ORLEN. Zagrali na niej zarówno twórcy, którzy zdążyli już zwrócić na siebie uwagę słuchaczy i branży, jak i ci, którzy dopiero stoją u progu przełomu. Jej line-up doskonale pokazywał, jak różnorodne jest dziś nowe polskie brzmienie. Podczas trasy na SCENIE MŁODYCH RADAR wystąpili: Jea Mira, Lotta, Zaleś, Maks.tachasiuk, Pola Maj oraz Hugo Tarres. To pierwsza tego typu współpraca Spotify z polskim festiwalem muzycznym.
– Tegoroczna edycja Męskiego Grania była kolejnym dowodem na to, że polska muzyka wciąż potrafi nas zaskakiwać, wzruszać i łączyć – mówi Dorota Nowakowska-Postolko, senior brand managerka marki Żywiec. – Były premierowe projekty, odważne połączenia, wyjątkowe tribute’y i spotkania z młodymi twórcami, którzy dopiero piszą swoje muzyczne historie. I chyba właśnie to jest w Męskim Graniu najpiękniejsze – że każdego roku potrafimy opowiedzieć polską muzykę na nowo, dając sobie nawzajem przestrzeń do odkrywania czegoś, czego wcześniej się nie spodziewaliśmy – dodaje Nowakowska-Postolko.
Kevin Parker, dwukrotny zdobywca Grammy i jeden z najbardziej wpływowych artystów ostatniej dekady na świecie, przejmie Orange Main Stage 30.06. Szykujcie się na potężny koncert i fenomenalną edycję!
Open'er Festival powered by Orange 2027 odbędzie się w dniach 30.06-3.07 w Gdyni, na terenie lotniska Gdynia-Kosakowo. Limitowana pula biletów Fan Tix, w specjalnej cenie 899 PLN (+ 5% opłaty serwisowej) za karnet 4-dniowy, dostępna będzie tylko 25.08 od 12:00, wyłącznie dla osób zapisanych do newslettera Open'er lub Alter Art (nowe zapisy do końca 24.08). Early Bird Tickets ruszają 26.08 na opener.pl. Let's go!
Tame Impala ogłasza europejską trasę w 2027 roku, w ramach której 30.06 wystąpi na Open'erze - na jednym z nielicznych koncertów festiwalowych! Ogłoszenie pojawia się w momencie fenomenalnej passy albumu "Deadbeat". Utwór „Loser", który trafił na ścieżkę dźwiękową filmu "Spider-Man: Brand New Day", dotarł do 1. miejsca globalnej listy Spotify i Top 25 zestawienia Billboard Hot 100. Z kolei „Dracula" wciąż utrzymuje się w światowej czołówce najpopularniejszych kawałków.
Kevin Parker, stojący za globalnym fenomenem Tame Impala, jest jedną z najbardziej wpływowych postaci świata muzyki ostatniej dekady. Poprzez swoje własne, natychmiast rozpoznawalne brzmienie, buduje hipnotyzujące dźwiękowe pejzaże, przekraczające granice muzycznych gatunków. Pięciokrotnie nominowany do GRAMMY australijski artysta zdobył dotychczas dwie statuetki, a na koncie ma również dziesiątki innych wyróżnień, wliczając BRIT Awards czy ARIA Awards.
Dotychczas ukazało się pięć albumów Tame Impala: "InnerSpeaker" (2010), "Lonerism" (2012), "Currents" (2015), "The Slow Rush" (2020) oraz "Deadbeat" (2025). Na ubiegłorocznej płycie Parker stworzył przestrzeń dla mocnych, psychodeliczno-klubowych utworów i jednych z najbardziej bezpośrednich i wpadających w ucho kompozycji w jego dotychczasowej karierze. Na albumie znalazły się między innymi dwa duże hity: „Loser" oraz „Dracula". "Deadbeat" przyniósł Parkerowi również nagrodę GRAMMY w kategorii Best Dance/Electronic Recording za singiel „End Of Summer".
Dzięki takim kawałkom jak: „Dracula", „The Less I Know The Better", "Let It Happen", „Lost In Yesterday" oraz „Is It True" Parker zdobył nie tylko miliardy streamów, ale status globalnej ikony alternatywy. Natomiast jako autor i producent współpracował m.in. z Dua Lipą, The Weeknd, SZA, Lady Gagą, Travisem Scottem, Markiem Ronsonem, Gorillaz, Thundercatem, Kali Uchis, 070 Shake, Rihanną, Miguelem i A$AP Rockym.
Tame Impala na Open'erze!
30.06, Orange Main Stage, Gdynia.
Just let it happen. It's gonna feel so good!
Na „ii” Denzel Curry i Kenneth Blume przekuwają artystyczne napięcia w dziewięć utworów, które pokazują ich w nowej formie. Album jest zarazem najbardziej osobistym i przekrojowym tekstowo materiałem Curry’ego.
Denzel Curry i producent Kenneth Blume (aka Kenny Beats) podzielili się ze słuchaczami nowym albumem „ii”. Premierę poprzedziła publikacja „(Re)Connect” – rozmowy jeden na jeden, w której artyści poruszyli tematy swoich karier, artystycznej i osobistej ewolucji, a także tego, dlaczego ich współpraca jest tak wyjątkowa i czy planują ją kontynuować.
Wydawnictwo „ii” promuje teledysk do utworu „Gone Fishing”.
Wcześniejszym zilustrowanym klipem kawałkiem było „Difference” z gościnnym udziałem Yebby. To właśnie ten utwór wyznaczył kierunek nowego etapu współpracy Curry’ego i Kenny’ego Beatsa, zapoczątkowanej znakomicie przyjętym projektem „Unlocked” z 2020 r.
Dziewięć utworów zawartych na „ii” pokazuje obu wyjątkowych artystów w odświeżonej formie. Na płycie gościnnie pojawiają się JPEGMAFIA, Westside Gunn i wspomniana Yebba. Po wydaniu „Unlocked” Denzel i Kenneth ugruntowali swoje pozycje jako doświadczeni, cenieni twórcy i przedstawiciele swojego pokolenia, wyznaczający kierunki rozwoju otaczających ich dynamicznych środowisk kreatywnych. „ii” jest wypadkową ich doświadczeń i nieokiełznanej energii towarzyszącej współpracy.
– Praca, którą wykonujemy z Denzelem, nigdy nie była łatwa, dlatego daje nam tak wiele satysfakcji. Każdy projekt zaczynaliśmy po przeciwnych stronach monety i musieliśmy przebić się do jej środka. Kiedy słucham tego albumu, słyszę w równym stopniu rozwój i walkę – przyznaje Kenny Beats.
„ii” jest efektem pracy dwóch artystów, którzy od czasu premiery poprzedniego wspólnego wydawnictwa znacznie rozwinęli swoje kariery. Opisując swoją dynamikę i proces twórczy, duet mówi o pewnego rodzaju romantyzmie we współpracy, któremu nie brakuje również konfliktów.
Mimo wieloletniej przyjaźni poza studiem artyści musieli zmierzyć się z nowymi wyzwaniami podczas pracy nad albumem – zarówno w momentach euforii, jak i napięcia. Obaj ambitni i silnie zdeterminowani, często się nie zgadzali. Momentami niemal dochodziło do rękoczynów, ale następnie wracali do pracy i z troską podchodzili do każdego utworu. Ich wzajemne zaufanie do własnego talentu zostało wielokrotnie poddane próbie, ostatecznie prowadząc do stworzenia wyjątkowego albumu, który wraca do podstaw – bez gotowych podkładów, jedynie z automatem perkusyjnym SP-404 i tanim mikrofonem jako podstawowymi narzędziami pracy.
Lekcje zdobywane przez lata doświadczeń pozwoliły połączyć ich wzajemnie ugruntowaną wiedzę, a pełne pasji zderzenia twórcze duetu wyniosły muzykę na nowy poziom, tworząc materiał mający szansę stać się natychmiastowym klasykiem. Wzajemny podziw, wykraczający poza dobrze znane wizerunki obu artystów, pomógł im pójść z tekstami dalej niż kiedykolwiek wcześniej. „ii” jest najbardziej osobistym i przekrojowym pod względem tekstowym materiałem Denzela do tej pory.
Denzel ma ostatnio wyjątkowo intensywny okres. Artysta powołał do życia nową rapową supergrupę The Scythe, z którą wydał debiutancki projekt „Strictly 4 The Scythe”, wystąpił gościnnie podczas wiosennych koncertów Freda Again w Nowym Jorku, supportował Deftones podczas niedawnej europejskiej i brytyjskiej trasy, a późną jesienią wyruszy w trasę z Knocked Loose, po wydaniu wspólnego singla „Hive Mind”. Kenneth z kolei niedawno wydał wspólny album „FATHERS” z kolektywem studyjnym w składzie Nate Smith, CARRTOONS i Kiefer, a także wyprodukował znakomicie przyjęte przez krytyków albumy IDLES, Geese, Fcukers, Show Me The Body i Rico Nasty oraz nadchodzący, imienny krążek Weezera.
Denzel Curry & Kenneth Blume - „ii” - lista utworów:
1. Gone Fishing
2. Evil Grin (feat. JPEGMAFIA)
3. Candlelight
4. Product
5. UPS
6. Benjamin
7. Cold Night In Hell
8. Crown (feat. Westside Gunn)
9. Difference (feat. Yebba)
Nie tylko wystartuje w nadchodzących World Athletics Ultimate Championships, ale jest również autorem oficjalnego utworu mistrzostw. Singiel „Gold” ukazuje się dziś, a gdy we wrześniu najlepsi lekkoatleci świata spotkają się w Budapeszcie, by walczyć o tytuł mistrza mistrzów, dwie największe pasje Duplantisa – sport i muzyka – połączą się podczas jednego wyjątkowego wydarzenia.
„Zawsze staram się przekraczać granice we wszystkim, co robię, niezależnie od tego, czy jestem na rozbiegu do skoku o tyczce, czy w studiu nagraniowym” – mówi Mondo. „»Gold« to dla mnie bardzo osobisty utwór. Opowiada o wspólnocie i o tym, że kiedy rywalizuję, reprezentuję coś znacznie większego niż tylko siebie – moją rodzinę, przyjaciół i wszystkich Szwedów. To właśnie to poczucie jest sercem tej piosenki”.
Dziś premierę ma także teledysk do utworu, zrealizowany w Budapeszcie. Klip przedstawia bardziej osobiste oblicze Mondo Duplantisa i poprzez filmową narrację pokazuje nie tylko drogę do sukcesu, ale również ludzi, którzy towarzyszyli mu na kolejnych etapach kariery. To opowieść o ambicji, determinacji i relacjach, które stoją za jednym z największych sportowych fenomenów współczesności.
Czternaście rekordów świata, dwa złote medale olimpijskie i tytuł World’s Greatest Athlete 2025 zapewniły Duplantisowi trwałe miejsce w historii sportu. Równolegle od kilku lat rozwija on swoją pasję do muzyki, konsekwentnie budując własne brzmienie i artystyczną tożsamość. Po premierach singli „Feelin’ Myself”, „Location” i „Midsummer”, a także szeroko komentowanym debiucie scenicznym w szwedzkim programie „Carina Bergfeldt”, mistrz świata kontynuuje swoją muzyczną drogę utworem „Gold”, który od dziś jest dostępny we wszystkich serwisach streamingowych.
Piosenka będzie odgrywać ważną rolę podczas mistrzostw, wybrzmiewając zarówno na stadionie, jak i w międzynarodowych transmisjach telewizyjnych.
World Athletics Ultimate Championships to nowe globalne wydarzenie lekkoatletyczne, które co dwa lata zgromadzi mistrzów olimpijskich, mistrzów świata, zwycięzców cyklu Diamond League oraz najlepszych zawodników sezonu. Przez trzy dni rywalizacji sportowa elita będzie walczyć o miano najlepszego lekkoatlety na świecie.
Tegoroczna edycja odbędzie się w Budapeszcie w dniach 11-13 września i zapowiada się jako jedno z najbardziej prestiżowych wydarzeń sportowych roku.
Kolekcja skupia się na najważniejszych nagraniach z imponującego dorobku Williamsa i pokazuje kompozytora także w roli dyrygenta, prowadzącego jedne z najlepszych orkiestr świata. Na „John Williams Legacy” usłyszymy Berliner Philharmoniker, Wiener Philharmoniker oraz Recording Arts Orchestra of Los Angeles. Album zawiera muzykę z najbardziej uwielbianych ścieżek dźwiękowych Williamsa, w tym z filmów „Gwiezdne wojny”, „Harry Potter”, „Park Jurajski”, „Indiana Jones” i „E.T.”. Wydawnictwo ukaże się 4 września i będzie dostępne na CD w digipaku oraz w ekskluzywnej edycji na dwóch złotych płytach winylowych.
„John Williams Legacy” uzupełniają komentarze Jona Burlingame’a, cenionego historyka muzyki filmowej, który przybliża niezwykły dorobek Williamsa i trwały wpływ jego twórczości. Niewielu kompozytorów odcisnęło równie wyraźne piętno na brzmieniu współczesnego kina. Williams stworzył jedne z najbardziej kultowych i natychmiast rozpoznawalnych tematów muzycznych w historii, kształtując wyobraźnię kolejnych pokoleń kinomanów i redefiniując rolę muzyki orkiestrowej w kulturze popularnej.
Od przełomowej współpracy ze Stevenem Spielbergiem i George’em Lucasem, przez kierowanie Boston Pops Orchestra, po występy z najbardziej prestiżowymi orkiestrami świata – dorobek Williamsa wykracza daleko poza kino. Jego twórczość przyczyniła się do odrodzenia zainteresowania symfonicznymi ścieżkami dźwiękowymi i stworzyła trwały pomost między Hollywood a salą koncertową. John Williams pozostaje jednym z najważniejszych i najbardziej charakterystycznych muzycznych głosów naszych czasów.
LISTA UTWORÓW
01. „Main Title from Star Wars: A New Hope”
02. „Hedwig’s Theme from Harry Potter and the Philosopher’s Stone”
03. „Raiders March from Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark”
04. „Flying Theme from E.T. the Extra-Terrestrial”
05. „Theme from Jurassic Park”
06. „Superman March”
07. „Theme from Schindler’s List”
08. „Olympic Fanfare and Theme”
09. „Excerpts from Close Encounters of the Third Kind”
10. „Harry’s Wondrous World from Harry Potter and the Philosopher’s Stone”
11. „Yoda’s Theme from Star Wars: The Empire Strikes Back”
12. „The Imperial March from Star Wars: The Empire Strikes Back”
13. „The Flight to Neverland from Hook”
14. „Princess Leia’s Theme from Star Wars: A New Hope”
15. „Throne Room & Finale from Star Wars: A New Hope”
Przedsprzedaż i zamówienia: sklep.leszekgnoinski.pl
Egzemplarze zamówione w przedsprzedaży będą miały swój indywidualny numer i podpisy autorów: Marka Piekarczyka i Leszka Gnoińskiego!
Drugie wydanie poszerzone o:
- 20% tekstu (650 II.ego do 480 stron I.ego wydania)
- ponad 250 zdjęć, w tym wiele wcześniej niepublikowanych
- teksty i wiersze Marka Piekarczyka
- rysunki Stanisława „Stanleya" Żurka
- fragmenty komiksu Legendy Jarocina kreską Jacka Kowalskiego
„Marek Piekarczyk. Zwierzenia Kontestatora, czyli przygody albatrosa w krainie nielotów" to wywiad-rzeka, którą prowadzi jeden z najbardziej znanych i szanowanych dziennikarzy muzycznych w Polsce - Leszek Gnoiński.
Marek Piekarczyk opowiada o dzieciństwie, młodości, trudnych życiowych wyborach, sukcesach, jak i cieniach sławy, porażkach oraz załamaniach. Przedstawia swoją filozofię opartą na ideach hipisowskich i wegetarianizmie, ale również barwnie opisuje szalone życie rock'n'rollowca w trudnych latach 80. To historia pełna anegdot i ponadczasowych prawd życiowych. To nie tylko sucha rozmowa, ale zapis rodzącej się przyjaźni – Marek opowiada, a Leszek tworzy opowieść o człowieku, jakiego nie znacie z mediów. Pierwsze wydanie ukazało się w listopadzie 2014 roku i od kilku lat jest niedostępne w sprzedaży.
Premiera drugiego wydania książki „Marek Piekarczyk. Zwierzenia Kontestatora" 12 października 2026 roku! Egzemplarze zamówione w przedsprzedaży będą miały swój indywidualny numer i podpisy autorów: Marka Piekarczyka i Leszka Gnoińskiego! Sprzedaż wyłącznie na stronie leszekgnoinski.pl oraz podczas koncertów i spotkań autorskich z Markiem Piekarczykiem.
„Książka uporządkowała moje życie i podniosła mnie na duchu. Spotkała się z dobrym przyjęciem i ludzie pisali, że im się podoba. Nie wiem, jak to się dzieje, ale im starszy jestem, tym częściej wracam do tego kolesia, którym byłem w wieku osiemnastu lat. Mam więcej spokoju w sercu, mniej pretensji do świata. Ważne, że nie była nikomu obojętna. Znajomym też."
— Marek Piekarczyk
Marek Piekarczyk to absolutna legenda polskiego rocka i metalu - wokalista kultowego zespołu TSA, uważanego za prekursora polskiego heavy metalu. Aktywny na scenie od 1969 roku artysta występował też jako Jezus w rock-operze "Jesus Christ Superstar" w reżyserii Jerzego Gruzy, udzielał się wielu projektach muzycznych m.in Yugopolis, a także wydał solową płytę "Źródło". Przez wiele lat był trenerem w programie The Voice of Poland.
Z Markiem Piekarczykiem rozmawia Leszek Gnoiński – wybitny dziennikarz muzyczny, autor i współautor przełomowych książek o polskim rocku (m.in. "Raport o Acid Drinkers", "Republika. Nieustanne tango, Encyklopedia Polskiego Rocka"). Reżyser i scenarzysta filmów dokumentalnych (m.in. "Beats of Freedom, Jarocin. Po co wolność", "Kult. Film"). Prowadzący audycję "Rockolekcje" w Antyradiu, członek Akademii Fonograficznej.
Niemiecko-amerykański skrzypek David Garrett zapowiada nowy album „Immortal” – osobisty i ambitny projekt poświęcony ponadczasowemu dziedzictwu muzyki klasycznej. W przekonaniu, że muzyka potrafi przekraczać granice czasu, Garrett oddaje hołd twórczości wybitnych kompozytorów, m.in. W.A. Mozarta, Claude’a Debussy’ego i Johna Williamsa, przedstawiając ich dzieła w nowoczesnych interpretacjach. Album ukaże się 9 października w wersji cyfrowej, na CD i winylu. Pierwsza zapowiedź albumu, „Puccini: Nessun Dorma”, jest już dostępna.
Po sukcesie poprzedniego wydawnictwa „Iconic” (2022), które uzyskało status złotej płyty, „Immortal” otwiera nowy rozdział w artystycznej drodze Garretta. „Jeśli mówimy o czymś, co zbliża się do nieśmiertelności, to sztuka, a zwłaszcza muzyka, jest tym, co przetrwa próbę czasu. Przez ostatnich dwanaście miesięcy traktowałem jako swój obowiązek oddanie sprawiedliwości każdemu kompozytorowi poprzez sposób, w jaki podszedłem do jego muzyki” – mówi David Garrett.
W standardowej wersji albumu znajdzie się 20 utworów, natomiast edycja deluxe zostanie rozszerzona do 25 kompozycji. Każda z nich została dopracowana z wyjątkową precyzją, odzwierciedlając muzyczną wrażliwość Garretta i jego konsekwentne dążenie do autentyczności.
Garrett ma wykształcenie kompozytorskie i samodzielnie opracował aranżacje całego albumu, nadając projektowi wyrazistą i spójną wizję artystyczną. W pracy nad materiałem wspierali go współaranżerzy Franck van der Heijden i John Haywood, których wkład wzbogacił orkiestrowe brzmienie o dodatkową głębię i różnorodność. Nagrania zrealizowano z udziałem orkiestry The Prezent Orchestra oraz pianisty Juliena Quentina. Ich energia i muzyczna ekspresja nadają albumowi zarówno siłę, jak i subtelność.
Za sprawą „Immortal” David Garrett nie tylko celebruje ponadczasowe dzieła przeszłości, lecz także podkreśla aktualność muzyki tworzonej przez człowieka we współczesnym świecie. To projekt łączący pokolenia, stawiający na autentyczność i – zgodnie z tytułem – dążący do ponadczasowości. W lutym 2027 roku David Garrett wyruszy w światową trasę koncertową promującą album „Immortal”.
Znakomity powrót – „Rolling Stone UK”
Organicznie tworzone brzmienie… Smith ma teraz więcej pewności siebie – „The New York Times”
Queerowa miłość, życie z otwartym sercem i brzmienie łączące barokowy pop, brytyjski folk, outlaw country i alternatywne R&B – na „Hazel Eyes” Sam Smith prezentuje najbardziej bezpośredni emocjonalnie i odważny materiał w dotychczasowej karierze. Piąty album przekształca prawdziwą historię miłosną przeżywaną w czasie rzeczywistym w refleksję nad tym, co oznacza kochać bez pancerza. Sam Smith ma na koncie Grammy, BRIT, Złoty Glob i Oscara, a przy „Hazel Eyes” po raz pierwszy odpowiada także za współprodukcję. Płyta jest dostępna jako winyl i CD na MusicDrop.pl.
– Pod wieloma względami ten album zbliżył mnie do siebie bardziej niż kiedykolwiek wcześniej. Dzięki niemu łatwiej mi akceptować to, co przychodzi mi naturalnie w twórczości, i oddawać hołd muzyce, którą kocham najbardziej – ponadczasowemu popowi, który łączy ludzi ze wszystkich środowisk. Pokazał mi również, że wrażliwość nie polega wyłącznie na odsłanianiu własnego bólu. Równie dużej odwagi może wymagać otwarte mówienie o romantycznych uczuciach. A w świecie, w którym obecnie żyjemy, śpiewanie o queerowej miłości z pełną szczerością i bezpośredniością wydaje mi się bardzo ważne – mówi Smith.
Nowy singiel „Constant Companion” rozwija się w aurze niebezpieczeństwa i tajemnicy rodem z klasycznego westernu. Nisko osadzony wokal zostaje zestawiony z mrocznymi partiami gitar oraz rozbudowanymi smyczkami autorstwa Roba Moose'a (Bon Iver, The National). Nakręcony w Hiszpanii przez reżysera Alberta Moyę teledysk z choreografią (LA)HORDE przenosi świat utworu na ekran.
„Hazel Eyes” to efekt trzyletniej pracy i ogromnych zmian: nowej miłości oraz przeprowadzki z rodzinnej Anglii do Nowego Jorku. Po wydaniu albumu „Gloria” z 2023 r., na którym znalazł się światowy hit „Unholy” z Kim Petras, Sam Smith rozpoczyna współpracę z koproducentami Simonem Aldredem (Avicii, Liam Gallagher) i Davidem Odlumem (Glen Hansard, Josh Ritter). Wspólnie szukają organicznego podejścia i brzmienia zakorzenionego w prawdziwej historii oraz pięknie wspólnego tworzenia.
Sesje odbywają się w legendarnych miejscach, takich jak Electric Lady Studios w Nowym Jorku, w niewielkim gronie wyjątkowych współpracowników, w tym gwiazdy indie popu Feist, multiinstrumentalisty Shahzada Ismaily'ego (Damien Rice, Yoko Ono), Roba Moose'a czy 28-osobowego kolektywu wokalnego TwoCity Chorus. Rezultatem jest świadomie osadzone w rzeczywistości, a jednocześnie nieustannie urzekające brzmienie, które prowadzi przez historię rozpoczynającą się w przededniu zakochania – wraz z otwierającym album utworem „Everlasting Love” – i obejmującą pierwsze lata związku. „Hazel Eyes”, nazwany na cześć najbardziej bezpośredniej piosenki miłosnej w całym dotychczasowym dorobku, wskazuje drogę ku życiu bazującemu na zaufaniu do radości, oddaniu bez pancerza i absolutnej szczerości.
Smith kontynuuje serię koncertów „To Be Free”, rozpoczętą jesienią ubiegłego roku w brooklyńskim klubie Warsaw. Cykl zawitał też do zabytkowego Castro Theatre w San Francisco i do Meksyku. We wrześniu Sam rozpocznie serię występów w Wielkiej Brytanii: dwa koncerty w Albert Hall w Manchesterze, a następnie osiem w London Coliseum. Przy okazji koncertów na Wyspach Sam Smith współpracuje również z BBC Introducing, dając dziesiątce początkujących artystów możliwość wystąpienia w roli supportu. Wcześniej w ramach „To Be Free” bez wcześniejszych zapowiedzi na scenie pojawiali się Hozier, Ed Sheeran, Brandi Carlile, SIENNA SPIRO, Norah Jones i Kim Petras.
„Hazel Eyes” – lista utworów:
1. Everlasting Love
2. Hazel Eyes
3. Moondance (feat. Feist)
4. My Guy
5. When He’s Gone
6. Thief
7. Love Is A Stillness
8. Sugar Rush
9. Oh Mother (feat. The TwoCity Chorus)
10. Constant Companion
11. Hold On
12. To Be Free
Podczas gdy „Rattle The Cage” (feat. John 5) otworzył nowy rozdział w historii Nickelback potężnym brzmieniem gitar, mocnymi riffami i niespotykaną energią, „Leave Me Behind” pokazu-je inną stronę albumu – opartą na wrażliwości, lojalności i potrzebie bycia przy kimś wtedy, gdy najbardziej tego potrzebuje.
„Leave Me Behind” opiera się na emocjonalnej obietnicy niezachwianego wsparcia. Nickelback zamieniają w nim ból po stracie w siłę i odporność. Utwór opowiada o tym, jak wspierać kogoś w najtrudniejszych momentach, pomagać mu odnaleźć się, gdy wszystko wydaje się rozpadać, i ostatecznie pozwolić odejść bólowi, który nie pozwala ruszyć dalej.
„W tej piosence jest dużo ciężaru, ale jest też dużo nadziei” – mówi Chad Kroeger. „To utwór o byciu przy kimś, kto zmaga się z tym, co go złamało – o pomaganiu mu pozbierać kawałki,
zdejmowaniu części tego ciężaru z jego ramion i przypominaniu, że nie musi przechodzić przez to sam. Jednocześnie pojawia się tu lęk przed tym, że sami możemy zostać zostawieni. Podo-bało nam się to napięcie. Dzięki niemu piosenka jest bardzo osobista”.
„Leave Me Behind” jest następcą „Rattle The Cage” (feat. John 5) – singla, który odniósł sukces na listach przebojów. Był to pierwszy nowy materiał Nickelback od czasu wydanego w 2022 roku albumu „Get Rollin'” i jednocześnie zapowiedź „Everything Under The Sun”. Nowy album ukazuje się w momencie ponownego wzrostu zainteresowania jednym z najbardziej trwałych zespołów rockowych, po światowym sukcesie docenionego dokumentu „Hate to Love: Nickel-back” oraz rekordowej trasie „Get Rollin' World Tour” – najszybciej wyprzedanej i największej pod względem frekwencji trasie w historii zespołu.
Dwa single razem dają pierwszy obraz różnorodności „Everything Under The Sun”. Zgodnie z tytułem album pokazuje pełne spektrum tego, co od ponad trzech dekad definiuje Nickelback jako jeden z największych zespołów rockowych na świecie: potężne hymny stworzone z myślą o wielkich scenach, mocne gitarowe brzmienie, chwytliwe melodie, refleksyjne teksty oraz charakterystyczną chemię między muzykami.
W 12 nastrojowych i eklektycznych utworach Agnes Obel po raz kolejny wymyka się gatunkowym klasyfikacjom. „The Meaning of Flowers”, który ukaże się 18 września, to refleksja nad tym, jak nowe życie zmienia ciało, umysł, poczucie własnego „ja” oraz więź z otaczającym światem.
„Świat tworzony przez Agnes Obel ma w sobie ten sam realizm magiczny, po który sięgała pisarka Angela Carter — piękny, a zarazem niepokojący. Feet in the forest, head in the stars” - „Joyzine” o albumie „Myopia”
Wokalistka, autorka tekstów, multiinstrumentalistka i producentka Agnes Obel zapowiada nowy album studyjny – pierwszy od szeroko cenionego „Myopia” (2020). Album ukaże się nakładem Deutsche Grammophon – w wersji cyfrowej, na CD i winylu – 18 września. Pierwszą zapowiedzią wydawnictwa jest singiel „Laymelli”, dostępny w streamingu i do pobrania od dziś.
„The Meaning of Flowers” splata różnorodne wątki, idee i inspiracje jednej z najbardziej dociekliwych i oryginalnych osobowości współczesnej muzyki. W 12 utworach Obel zgłębia intensywne poczucie więzi ze wszystkimi żywymi istotami, którego doświadczyła w czasie ciąży, a także znaczenie narodzin, wzrostu i metamorfozy w świecie natury. Nowa muzyka artystki czerpie z niezwykle szerokiego wachlarza źródeł: od poezji Enheduanny – pierwszej znanej z imienia autorki w historii – i idei Hannah Arendt oraz Emanuele Coccii po duńską scenę popową lat 80. i 90.
„The Meaning of Flowers” został w całości napisany, nagrany, zaaranżowany i wyprodukowany przez Obel w jej berlińskim studiu. Agnes odpowiada za wokal (miejscami poddany zmianie wysokości dźwięku), fortepian, instrumenty klawiszowe, syntezatory i sample. Towarzyszą jej zaproszeni muzycy grający na skrzypcach, altówce, wiolonczeli, basie, gitarze lap steel, fisharmonii, flecie, saksofonie i instrumentach perkusyjnych, a także wykonujący partie wokali wspierających.
Od czasu nagrania „Myopii” Obel urodziła pierwsze dziecko. „The Meaning of Flowers” odzwierciedla zarówno emocjonalny wpływ macierzyństwa, jak i intelektualne zainteresowanie artystki tym tematem – w szczególności koncepcją natalności Hannah Arendt, rozumianej jako „ludzka zdolność do nowych początków”. Istotne znaczenie miały również przejściowe zmiany w neuroplastyczności mózgu, które skierowały sposób myślenia i proces komponowania Obel na nowe tory.
„Chciałam sprawdzić, czy uda mi się zbliżyć do uczucia, jakie niesie ze sobą nowy początek” – mówi Obel o utworze tytułowym. „Objawia się ono poprzez doświadczenie wzajemnego połączenia oraz nowe, wszechogarniające poczucie miłości, która nigdy się nie skończy. To moment, w którym wewnętrzny monolog staje się czymś interaktywnym i rozległym – wykraczającym poza własne życie – i otwiera umysł na nowe, bogatsze rozumienie życia”.
„Blood so Red” i „Gemini” powstały, gdy Obel „bawiła się” rytmem, fortepianem i głosem. Inspiracją dla „Blood so Red” była lektura hymnów Enheduanny poświęconych Inannie – bogini porodu, miłości, seksu, pieśni i wojny. Jej obecność „przeniknęła do utworu, wzmacniając moje własne olśnienia związane z porodem, prawami ciała oraz tymi doświadczeniami istniejącymi poza językiem, które łączą nas ponad czasem i przestrzenią”. „Gemini” i „Laymelli” również powstały pod wpływem Enheduanny, ale także świadomości Obel dotyczącej złożoności wszechświata „spajanego pięknem i siłą życia oraz metamorfozy”. Artystka sięgnęła również do książek Coccii, „The Life of Plants” i „Metamorphoses”, czerpiąc z nich obrazy nasion oraz cyklu życia motyla.
Na albumie można odnaleźć także inne inspiracje – między innymi muzykę filmową lat 70. w „Don’t Look Down” oraz duński pop w „Never Been”: „W świecie popowych piosenek lat 80. kochać oznaczało być wolnym i bez skrępowania być tym, kim się jest”. W „Tangerine”, jedynym instrumentalnym utworze na albumie, Obel wykorzystuje z kolei radosne połączenie barw instrumentalnych: arpeggia saksofonu spotykają się z czelestą i fortepianem, tworząc „pełną energii, cudowną nową przyjaźń”.
„The Meaning of Flowers” jest dedykowany córce Obel: „tej, która mnie zmieniła, wychowała i tak wiele mnie nauczyła – a czuję, że jeszcze tak wiele nauki przede mną”.
Agnes Obel – „The Meaning of Flowers”
Książki i poezja, które Agnes Obel czytała podczas pracy nad albumem
Literatura piękna i literatura faktu:
Arendt, Hannah, The Human Condition, 1958
Banks, Jennifer, Natality: Toward a Philosophy of Birth, 2023
Bowen-Moore, Patricia, Hannah Arendt’s Philosophy of Natality, 1989
Butler, Octavia, Dawn, 1987
Cage, John, Silence: Lectures and Writings, 1961
Coccia, Emanuele, The Life of Plants: A Metaphysics of Mixture, 2019
Coccia, Emanuele, Metamorphoses, 2021
Jones, Lucy, Matrescence: On the Metamorphosis of Pregnancy, Childbirth and Motherhood, 2023
Morton, Timothy, All Art Is Ecological, 2018
Nørgård, Per, Artikler 1962–1982, Ivan Hansen (ed.), 1982
Rasmussen, Karl Aage, Musik i det tyvende århundrede: en fortælling, 2011
Poezja:
Akbar, Kaveh (ed.), The Penguin Book of Spiritual Verse: 100 Poets on the Divine, 2022
Christensen, Inger, Samlede Digte, 2009
Enheduanna, Enheduana: The Complete Poems of the World’s First Author, trans. Sophus Helle, 2023
(orig. c.2300 BCE)
Graham, Jorie, The Dream of the Unified Field, 2002
Kurtz, Ella; King, Simone; Delahunty, Claire (eds.), What We Carry: Poetry on Childbearing, 2021
“Złapaliśmy przelot i usiedliśmy w studiu, żeby nagrać coś zupełnieinnego, a od wersu do wersu okazało się, że zajawki i materiału mamyna więcej niż tylko gościnkę. Tak powstały te 2 numery, które opowiadająo naszych doświadczeniach i udowadniają, że “wiek to tylko liczby, hajsto tylko cyfry”- mówi Onar.
Również w warstwie muzycznej ten projekt łączy dwa światy - uznanegow branży Szweda Swd odpowiedzialnego za produkcję “PanoramaSzklany Dach” oraz hitmakera młodego pokolenia, współpracującego zvkiem, Aleshenem, Barym, White Widow) - OSXARA, który dołożyłswoją cegiełkę do “17 Lat Różnicy”.
“17 lat, gadamy jak równy z równym”- rapuje VBS w tytułowym numerzemiędzypokoleniowego projektu udowadniając, że w rapie wiek nie musidzielić – wręcz przeciwnie, pozwala łączyć różne doświadczenia,wrażliwość i spojrzenie na świat.
“17 Lat Różnicy” już dostępny do odsłuchu wszędzie.